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浅谈新课程改革下如何改善小学生在音乐欣赏课中的学习参与性与积极性：创造帮助改善的四项音乐活动

发表时间：2020/9/22 来源：《中国教师》2020年6月作者：南艳琳

[导读]

南艳琳温州市黄龙第三小学浙江温州 325000
中图分类号：G688.2 文献标识码：A 文章编号：ISSN1672-2051 （2020）06-012-02

        我认为音乐欣赏课应该具备这些目标:让学生们拥有足够丰富和精确的音乐词汇，从而让他们有能力向他人（包括老师）分享从音乐中听到的和享受到的美好东西; 帮助学生了解特定音乐实践和作品的历史和社会文化背景; 培养学生们对音乐的热爱，而这种种热爱应该比他们刚进入我课堂时更加强烈; 鼓励他们多听现场音乐;并促进他们的声音创造力。但是音乐欣赏课中的学生常常把自己视为音乐欣赏过程的局外人，认为他们没有能力直接参与音乐或音乐实践。
        因为“音乐就是以任何一种身份参与到音乐活动中，无论是通过表演，通过聆听，通过排练或练习，通过提供表演材料(即所谓的作曲)，还是通过舞蹈。”[1], 克里斯托弗·斯莫尔的这个“音乐”概念可以促进学生们在音乐教育课堂上对课程材料的即时、积极、多样和有音乐意义的参与。根据戴维·索萨关于大脑如何工作的研究，通过在音乐课堂中积极参与音乐活动以及即学即用教材中的知识，可以帮助学生们更深入地理解教材的理论知识以及更持久地和记住课堂中学习的音乐知识。
        “倾听”音乐
        在音乐欣赏课堂上，倾听音乐可能是音乐参与的默认模式。这种听力通常是相对被动的，所用的材料是大众容易理解和接受的程度(而音乐作品的细节一般只提供考试需要考到的部分)。而且在这种音乐课堂中，学生人数一般都比较多，而这容易降低学生的学习积极性，甚至会提高学生对音乐学习的抗拒性。教师通常通过提供基本的音乐词汇来开始课程。为音乐欣赏课设计的教科书通常以一个术语章节开始，向学生介绍基本的音乐元素。熟悉这些元素可以让学生更容易地消化复杂的音乐声音，并帮助他们区分不同的音乐类型、风格和特定的音乐作品。但他们常常很难自己将学习到的音乐概念和术语应用到新的音乐作品例子中。
        教师帮助学生将所学知识运用到不熟悉的作品中的一种方法是将学生分成4-5人一组，让他们在听1 - 2首歌的时候专注于一个特定的音乐元素。尤其是音乐欣赏课中的学生，当被要求用一种共享的、精确的语言描述他们听到的内容时，他们似乎不知所措。让他们集中注意力在一个元素上，让他们先在小组中讨论他们听到的内容，然后和全班一起讨论，这样可以让他们集中注意力，建立自信。在大的群体中，教师可以要求学生进行观察，并帮助他们以清晰的方式将不同的音乐元素结合起来。例如，作品中哪个部分的旋律最响亮、最密集或最高?当织体改变时，还有什么音乐元素会改变?
        另一项帮助学生扩展听力技能的活动是“倾听音乐主题”。教师可以指导学生仔细听选好的音乐作品，并单独写下他们听到的内容，而不是评价或解释音乐。然后他或她可以将他们分成小组(3-4人)来分享他们的观察结果，同样避免给出任何评价或解释。然后你可以把小组分成更大的小组(6-8组)来比较小组讨论的内容。学生在音乐中听到了什么?哪些方面对一些学生很突出，而对另一些学生却不突出?在这个活动的大部分集中在音乐特征上之后，更大的群体现在可以根据他们的仔细聆听来讨论他们所认为的音乐的意义。然后，整个班级就可以通过一节关于音乐的社会文化背景的简短课程，综合更大群体对意义的讨论。
        这些听力练习可以帮助学生慢慢提高听力能力，目标是有限数量的音乐元素，并增加更多。他们让学生专注于声音，而不是立即跳到解释或评估。学生在每一次听力练习中，在不同的课堂上建立自信，这使得教师能够更深入地讨论越来越多的音乐特征。
        跳舞
        运动可以帮助学生感知重要的音乐特征，这些特征是神秘的，只能通过听觉感知。一些音乐作品本身已带有相对简单的舞蹈元素。其中一个方法是，教师可以在让学生欣赏一些音乐作品时，添加相应的舞蹈动作，比如某些拉丁美洲音乐流派,萨尔萨舞和探戈，宝莱坞舞蹈音乐等等。可以鼓励学生一边跟老师听音乐，一边跟着动作舞蹈起来，从而感受音乐的风格和节奏感等等。

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        在观看乔佛里芭蕾舞团(Joffrey Ballet)根据《春之祭》(Rite of Spring)改编的著名舞蹈《少女之舞》(Dance of the Adolescent Girls)或其他舞蹈作品之前，教师可以让学生创作自己的舞蹈动作。学生可以讨论他们所选择的动作，并分析音乐的哪些方面激发了这些动作。这可以帮助老师评估学生对音乐的感受，以及哪些方面可能需要更多的指导。学生(和老师)可能会犹豫或担心这会让自己难堪。但是一个安全的学习环境和教师热情的参与，可以帮助学生们克服阻力。
        练习
        根据戴维·索萨的说法，练习音乐不仅能达到最高的记忆水平，而且这也是一个让学生停止说话而去专心欣赏音乐的好方法。当学生们必须积极地创造这些音乐元素时，肢体动作、声音制作的交替模式和音乐互动往往会变得更清晰。我发现“练习”的概念对音乐传统和作品是有帮助的，而这些音乐传统和作品的重要特征只有在听的时候才能发现。例如，大多数学生喜欢考威尔的《女妖》和其他扩展技术的作品。因为他提供了明确的指令，创造所需的音色，学生可以聚集在钢琴周围，并尝试他们。这种实践可以激发对扩展技术的性能挑战的讨论。同样，虽然学生们经常听到Sprechstimme不是在唱歌或说话，但他们可以通过自己练习立即欣赏这种声乐技巧:严格按照旋律的轮廓背诵作品，同时避免任何纯粹的音调。练习也可以帮助学生区分不同的音乐织体。非音乐家很难同时感知独立的旋律，尤其是在需要区分主音、支声和复调织体的时候。学生们可以先从熟悉的曲调开始。
        作曲/即兴创作
        大多数音乐欣赏课的学生可能会对他们可以“提供表演材料”的想法感到犹豫(斯莫尔， 1998)，但是积极地创造声音不仅可能增加他们的乐趣，而且可能增加他们对基本音乐元素的理解。正如我在上面的“倾听音乐”部分所讨论的，我们通常在音乐欣赏课上将音乐分解成音乐元素。但音乐元素往往仍然抽象得令人费解。通过让学生积极地创造声音，即兴创作，甚至创作一个固定的作品，从而学生能立马学会如何“应用”音乐元素，而不是仅仅学会 “辨别”。
        根据我个人的经验，即兴创作和作曲可以在整个课程或单节课的活动中实现。例如，教师可以带来特定的工具，当天的主题，让学生尝试。或者教师可以在一间有钢琴和各种乐器的房间里安排小组讨论。学生可以用乐器进行实验，教师可以引导学生即兴表演。
        课堂上的短作品练习可以帮助学生理解特定的风格，如布鲁斯。因为布鲁斯对许多学生来说是一种熟悉的风格，而且结构也相对简单，所以老师可以要求学生为简单的布鲁斯写歌词和旋律，可以是单独写，也可以是小组写。在老师的指导下，学生们可以在钢琴或电脑上演奏他们的作品。
        教师还可以让学生选择在自己的时间里创作一篇作品:任何风格的表演。学生将应用本课程的术语，对乐曲的概念和重要的音乐特征进行简要描述。学生们将被评估他们的描述的思想深度和准确性，以及它与音乐的匹配程度。
        即兴创作和作曲迫使学生对音乐元素做出决定，这样做可以增加他们对这些概念的理解。学生们被邀请去创造和互动，对许多人来说，这将是他们第一次有机会尝试某些乐器(或任何乐器)。这样的活动可以提供更多的学术成果:小组即兴创作可以培养一个支持性的学习环境，而作曲可以给予学生信心，并培养他们自己的创造力。
        总结
        尽管每个学校的课程主题和规模各不相同，但音乐欣赏课程似乎有一个共同点:学生群体的音乐背景，经历和学习动机是不可预测和多样化的。有些人受过广泛的正规音乐训练，而另一些人只是模模糊糊地记得在小的时候学过竖笛;有人会看五线谱，而一些人可能连简谱都不认识；有些人选择音乐课是因为他们渴望更多地了解这门学科，而另一些人则认为音乐课会很容易甚至不重视。太多的音乐欣赏课的学生认为他们唯一的音乐能力是听力，他们经常对自己的音乐欣赏能力（听力）感到难为情。斯莫尔的音乐概念既肯定了他们对音乐的能力 — 以有意义的方式参与音乐 — 也为教师设计了一个框架，使他们能够立即深入地学习音乐材料。在我探索音乐教学的过程中，我的教学方法不限于让学生们坐在教室中倾听音乐，我还加入了舞蹈和练习;在未来，我还会添加作曲/即兴创作。这些活动使我所有的学生在智力和音乐上获得了帮助和提升。额外的好处是我和学生们在上课过程中都玩得很开心!毕竟学习音乐的目的就是为了让我们的生活更美好，不是吗？
参考文献Small, Christopher. Musicking: The meanings of performing and listening. Wesleyan University Press, 1998.